viernes, 18 de marzo de 2011
Exposicion nº 11. John Gutmann en la Fundación Mapfre
En la sala de exposiciones de FUNDACIÓN MAPFRE se presenta parte de la obra del fotógrafo John Gutmann.
Exposición nº 10. Asher B. Durand
La exposición Los paisajes americanos de Asher B. Durand (1796-1886) supone, pues, la vuelta de Asher B. Durand a esa Europa a la que el artista viajó a mediados del siglo XIX casi desconocido entre nosotros.
La exposición está compuesta por 140 obras en técnicas como óleos, dibujos y grabados que cubren todos los periodos de la vida de Asher B. Durand, acompañadas por una selecta muestra de artistas coetáneos y de algunos seguidores. A través de esa cuidada selección, la exposición quiere presentar el particular talento de Durand como paisajista y todos los asuntos que desarrolló a lo largo de su prolongada carrera: retratos, pinturas de género y, sobre todo, unos paisajes que, con bucólica belleza, muestran los escenarios naturales de Norteamérica.
Las obras provienen en su inmensa mayoría de la colección de la New–York Historical Society, y el proyecto ha contado con el asesoramiento científico de la máxima experta en la obra de A. B. Durand, la Dra. Linda S. Ferber, conservadora de esa institución. De hecho, Los paisajes americanos de Asher B. Durand (1796-1886) es el resultado de un trabajo de dos años de estrecha colaboración entre la Fundación Juan March y la citada institución neoyorquina, con la colaboración de las mayores expertas en Durand y en el arte americano del siglo XIX: las Dras. Barbara Novak, Barbara Dayer Gallati, Rebecca Bedell, Roberta Olson, Marilyn Kushner y Kimberly Orcutt.
Realmente el talento de este curioso paisajista no es solo su fabulosa técnica, sino su forma de representar estos paisajes,tanto que parecen sueños, imágenes idealizadas y de cuento que transportan al espectador mas que a la Europa de mediados del s.XIX, a su mente y fantasía.
Exposición nº9. Fundación canal Isabel Segunda "Dali Ilustrador. Sueños de papel"
Nos encontramos ante una exposición de corto recorrido, que arranca con la foto “Salvador Dalí. Leopard Skull”, del fotógrafo estadounidense Philippe Halsman y que nos va adentrando en la fabulosa y singular mente de el artista más surrealista. La exposición "Dalí Ilustrador.Sueños en papel", presenta una selección de tres series gráficas de Salvador Dalí que muestran una de sus facetas menos conocidas, la de ilustrador.
Está formada por tres series de los llamados “Ciclos Literarios” de Dalí, que suman un total de 117 estampas, realizadas en la década de los 70:
• 80 estampas en aguafuerte y aguatinta, realizadas entre 1973 y 1977, sobre Los Caprichos de Goya de 1799.
• 12 estampas de 1974 en punta seca y aguafuerte que ilustran Las fábulas de La Fontaine de 1668-1694. Para realizar estas estampas Dalí se inspiró en Jean Granville, grabador francés de principios del XIX, que en 1838 ilustró dichas fábulas
• 25 estampas realizadas en 1973 sobre papel japonés que recrean las ilustraciones que François Desprez realizó en 1565 del sexto de los volúmenes que completa el ciclo Pantagruel, novela póstuma atribuida a François Rabelais, publicada en 1564.
Las estampas provienen de la colección contemporánea de la Fundación Museo de Artes del Grabado a la Estampa Digital
La primera de ellas se trata de Los sueños caprichosos de Pantagruel, obra inspirada en el texto literario de François Rabelais y la obra gráfica que elaboró para la misma François Desprez. En esta obra literaria se encuentran elementos fantasiosos, satíricos, subversivos y eróticos, hacía los que Dalí se sintió siempre muy atraído, de ahí que plasmara su propia visión (retorcida, erótica y mordaz) de las ilustraciones de la misma en veinticuatro litografías. La segunda colección es Los caprichos de Goya, que se trata de la relectura de una serie de ochenta estampas que realizó Francisco de Goya en 1799, a las que Dalí modificó añadiéndoles color y elementos claramente diferenciables de los originales por ser característicos de su obra, además de jugar con los títulos de cada estampa para adaptar la crítica que cada una de ellas hacía a la sociedad española del momento. Por último se halla en exposición la obra Las Fábulas de La Fontaine, en la que Dalí expone doce cuadros inspirados en las fábulas que concibió el escritor francés, y que diferentes artistas ilustraron. La obra de Dalí se inspiró en uno de ellos, Jean Grandville, para plasmar su reinterpretación.
Exposición nº 8. Casa Encendida "On&On"
La exposición On & On reúne a 14 artistas de distintas generaciones y nacionalidades (Michel Blazy, Céleste Boursier-Mougenot, Martin Creed, Eloise Fornieles, Anya Gallaccio, Andy Goldsworthy, Kitty Kraus, Claire Morgan, Tino Sehgal, Chiharu Shiota, Roman Signer, Steiner and Lenzlinger y Gregorio Zanon), la mayoría de los cuales ofrecen obras concebidas específicamente para La Casa Encendida, todas las cuales exploran lo efímero en el arte.
En la exposición también se podían ver performances de los propios artistas y videos.
Las obras de “on&on” pretenden jugar con los sentidos del espectador para que, de alguna manera, evoquen recuerdos y sensaciones pasadas y lo inviten a participar en la muestra. Una habitación bañada de chocolate o velas encendidas derritiéndose mientras dibujan grandes círculos en el suelo (Anya Gallaccio); pájaros emitiendo sonidos a través de cinco guitarras y tres bajos (Céleste Boursier Mougenot); frutas rojas descomponiéndose sobre un pájaro disecado (Claire Morgan); una habitación en la que la luz se enciende y se apaga (obra Martin Creed, ganadora del Premio Turner); flores químicas invadiendo una mesa de oficina (Steiner/Lenzlinger); el derretimiento de un bloque de hielo gigante teñido (Kitty Graus); la verbalización continua de This is propaganda (Tino Sehgal); la grabación de la explosión de un cohete casero (Roman Signer); interpretaciones improvisadas al piano (Gregorio Zanon); una video-instalación que muestra cómo la huella de un cuerpo sobre el pavimento se desvanece bajo la lluvia (Andy Goldsworthy); materia alterada por microorganismos (Michael Blazy The Crypte); la experiencia de un viaje en barca (Eloise Fornielles) y la huella que queda en nuestro recuerdo cuando la obra de arte ha desaparecido (Chiharu Shiota) conforman la exposicon.
Los artistas responden con obras efímeras que, por su naturaleza, no se pueden rastrear «realmente». Usan materiales que tienen una vida limitada o que están en constante evolución. Estas obras tan dispares, diseñadas en algunos casos para un entorno concreto, tienen en común su interés por los estados de cambio. Evolución, disolución, memoria, fragilidad y envejecimiento. Hasta el 16 de enero de 2011.
Exposición nº 7. XXI Edición Circuitos de Artes Plásticas.
En esta vigésimo primera edición los artistas han sido seleccionados por Ferrán Barenblit, director del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M); Carlos Urroz Arancibia, director de ARCO; Isabel Elorrieta García, directora de Estampa; Fernando Sánchez Castillo, artista plástico, e Iván López Munuera, comisario de la exposición. Los artistas elegidos por el jurado y cuyas obras se pueden verse en la exposición son: Lara García, Bongore, Ignacio García Sánchez, Teresa Solar Abboud, Daniel Martín Corona, Lilli Hartmann, Esther Achaerandio, y el colectivo Momu & No Es.
Cada artista ha elaborado una serie de obras, en las que el espectador se ve inmerso. Cada una toca temas distintos, desde el poder del dinero y la crisis económica hasta problemas de racismo, críticas sociales, instrucciones de acciones reales... Realmente la exposición es bastante reflexiva he interesante.
Personalmente tres de las obras que mäs me han interesado han sido las del artista Daniel Martín Corona con sus “Moldes de lo real”, donde por medio de folletos informativos, y a modo de viñetas ilustradas, nos muestra las instrucciones para poder mirar un cuadro,como crear una peana o como realizar una oración musulmana... Creo que es un trabajo impresionante porque como el mismo dice, "...son instrucciones inútiles...", de acciones que realizamos sin pensar y que aun así, requieren siempre la misma acción.
Otra de las obras fue la de la artista Esther Achaerandio con su Obra “Ejercicios de autoayuda III: Afirmaciones para atraer dinero” donde por medio del video arte, la artista cubre su cabeza con billetes de 50€, y finalmente se expone en una vitrina al lado del video la escultura de el contorno de su cabeza, cubierta por completo con los billetes dentro de una urna. También me interesado la obra de Ignacio García Sánchez titulada "Fragmentos de una mitología contemporánea" con sus dibujos sobre catástrofes que ya nos dejan indiferentes. Realmente una gran exposición.
Exposición Exposicion nº 6 Ivory Press. Warhol & Dance. New York in the 50’s
Andy Warhol llegó a Nueva York en 1949. Allí encontró una ciudad bulliciosa donde la danza, el baile y el espectáculo musical ya se habían consolidado como elementos de identidad de la urbe estadounidense.
El que luego sería uno de los grandes maestros del arte pop, tenía entonces poco más de veinte años y ya había mostrado interés por el baile incluso antes de llegar a la Gran Manzana. Había asistido a clases de danza moderna en el Carnegie Tech, en su ciudad natal, y había asistido a espectáculos de los grupos de baile más destacados del momento en Estados Unidos.
Este contacto del artista con la danza se intensificó al llegar a Nueva York, junto con el pintor Philip Pearlstein. Ambos se instalaron en un loft que compartían con la bailarina Francesca Boas, quien además utilizaba la danza como herramienta terapéutica. Más adelante Warhol también compartiría otro piso con al menos cuatro bailarines, lo que le permitió estar en el centro del ambiente escénico.
Los dibujos realizados en esta época –buena parte de los cuales compuso la muestra Warhol & Dance, New York in the 50’s–, no son caricaturas sino que retratan a personajes que tuvieron un papel importante en un momento en el que el baile en Estados Unidos estaba creciendo y diversificándose. En este sentido, los retratados no sólo son bailarines reconocidos como Walter Terry, Alexandra Danilova, John Butler, Frank Hobi o Nala Najan, sino que también pasaron por su pluma coreógrafos o incluso destacados críticos como Walter Terry o Hope Sheridan.
A través de estos retratos, Warhol ofrece una panorámica de la diversidad de la escena artística de aquella época, desde las figuras clásicas de los Ballets Rusos hasta la danza étnica, pasando por el baile moderno y el claqué. Sesenta dibujos, la mayor parte de ellos en tinta sobre papel manila, que retratan el esplendor de una gran capital y de sus escenarios a principios de los años 50.
En aquella época y durante el segundo cuarto del siglo XX, en Estados Unidos el baile tenía una connotación claramente alternativa, activista y provocadora que la danza, hoy por hoy, ya no tiene. “La creencia de que bailar era un pecado, prevalecía con fuerza en muchos sectores sociales”, recuerda Kisselgoff. Warhol se posiciona en esta disciplina con esa misma actitud provocadora. En este sentido, sus dibujos no son sólo cultural y estéticamente relevantes sino, además, socialmente significativos.
La exposición estuvo abierta al público desde el 28 de octubre hasta el 11 de diciembre, en Ivorypress Art+Books Space II, Comandante Zorita 46.
El que luego sería uno de los grandes maestros del arte pop, tenía entonces poco más de veinte años y ya había mostrado interés por el baile incluso antes de llegar a la Gran Manzana. Había asistido a clases de danza moderna en el Carnegie Tech, en su ciudad natal, y había asistido a espectáculos de los grupos de baile más destacados del momento en Estados Unidos.
Este contacto del artista con la danza se intensificó al llegar a Nueva York, junto con el pintor Philip Pearlstein. Ambos se instalaron en un loft que compartían con la bailarina Francesca Boas, quien además utilizaba la danza como herramienta terapéutica. Más adelante Warhol también compartiría otro piso con al menos cuatro bailarines, lo que le permitió estar en el centro del ambiente escénico.
Los dibujos realizados en esta época –buena parte de los cuales compuso la muestra Warhol & Dance, New York in the 50’s–, no son caricaturas sino que retratan a personajes que tuvieron un papel importante en un momento en el que el baile en Estados Unidos estaba creciendo y diversificándose. En este sentido, los retratados no sólo son bailarines reconocidos como Walter Terry, Alexandra Danilova, John Butler, Frank Hobi o Nala Najan, sino que también pasaron por su pluma coreógrafos o incluso destacados críticos como Walter Terry o Hope Sheridan.
A través de estos retratos, Warhol ofrece una panorámica de la diversidad de la escena artística de aquella época, desde las figuras clásicas de los Ballets Rusos hasta la danza étnica, pasando por el baile moderno y el claqué. Sesenta dibujos, la mayor parte de ellos en tinta sobre papel manila, que retratan el esplendor de una gran capital y de sus escenarios a principios de los años 50.
En aquella época y durante el segundo cuarto del siglo XX, en Estados Unidos el baile tenía una connotación claramente alternativa, activista y provocadora que la danza, hoy por hoy, ya no tiene. “La creencia de que bailar era un pecado, prevalecía con fuerza en muchos sectores sociales”, recuerda Kisselgoff. Warhol se posiciona en esta disciplina con esa misma actitud provocadora. En este sentido, sus dibujos no son sólo cultural y estéticamente relevantes sino, además, socialmente significativos.
miércoles, 16 de marzo de 2011
Práctica sobre el Bodegón
Bodegón en la actualidad
1. Definición de bodegón en la actualidad.
Un bodegón es una composición pictórica o fotográfica de elementos cotidianos e inanimados o naturalezas muertas. Durante años ha tenido una fuerte influencia y simbología que han representado la época en la que han sido realizados. Según diferentes enfoques el bodegón puede ser llamado naturaleza muerta, o Vanité, pues encierra lo bello, místico y misterioso de la muerte. Es hermoso contemplarlo pues es inalterable al paso del tiempo. En la actualidad el bodegón representa el mundo en el que vivimos, como por ejemplo a través de representaciones de deshechos, basura, podredumbre... algo que es exclusivo de nuestro tiempo y de nuevo encontramos nuevos símbolos para, a través de objetos inanimados, explicar lo que sucede en nuestra sociedad. En este momento la fotografía logra mostrar mejor la intención del bodegón, porque ofrece una imagen más realista espontánea y rápida de los objetos que nos rodean que la pintura, que debe seguir explorando nuevos caminos. Debemos resaltar como características importantes que tiene mucha más libertad de composición y que es un género muy versátil y cómodo para el artista ya que le permite dedicarse a su obra sin limitación de tiempo.
2. Representantes más importantes en la actualidad del bodegón.
Joel-Peter Witkin. Obras como Anna Akhmatova, Abondance, Still life with breast, Story from a book, Still Life with mirror o Still life. Face of a woman.
En sus obras introduce dentro del bodegón, partes del ser humano a modo de cuerpo fragmentado. Ayudándose para realizar la composición de libros, frutas, flores, animales, telas y otros objetos.
Wolfgang Tillmans. El artista intenta realizar obras que empiezan con la observación de los objetos que le rodean para terminar en un análisis e investigación visual para mostrar su entorno y los objetos que hay en él, dre la manera más realista posible. Algunas de sus obras son: Water & wine, Summer still life, Carciofo II, Pear, passion fruit.
Manuel Villariño. Las fotos de este artista muestran un complejo equilibrio y un latente pulso entre el fotógrafo y el espectador, además de un movimiento inquietante. Obras: Naturaleza muerta con cacao, El despertar, Cruz roja deshabitada, Detente, Señal en el aire.
Cindy Sherman. A finales de los ochenta, La artista experimenta con el concepto de bodegón en los que proliferan comidas que se pudren, penes de plástico rociados de ketchup e incluso mezclas repugnantes que provocan arcadas. Es la plasmación culminante de lo feo en el arte como elemento de expresión y como símbolo.
Otros artistas representativos de nuestra época en cuanto al bodegón se refiere son: Zachary Zavislak, Jeff wall, Oliver Richon, Jörg Sasse, Gabriel Orozco, Sam Taylor-Wood, McDermott & McCough, Saviero Lucariello. Y como representantes españoles, tenemos a Eulalio Valldosera, Alicia Martín, Ignasi Aballí.
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