Fotografía como soporte

Ejercicio:

Este ejercicio consiste en la manipulación de una fotografía como soporte para la obra.

La realización se basa en pegar recortes de periódico para realizar los pantalones y los zapatos, con celo se crea el cancan del vestido a modo de jaula, y con relieve, y con papel vegetal se cubre, a modo de continuación de vestido, con una incisión en el medio que muestre lo que hay debajo.

Al rededor de la figura de la niña de comunión, he colocado mariposas revoloteando, se salen de debajo de la falta del vestido. Las pinturas utilizadas son ceras blandas y acuarelas y también el papel esta rasgado en algunas zonas.

Con todo ello, pretendo hacer alusión a la transformación de las identidades, al travestismo y conversión de sexos. Las mariposas son una metáfora de ese cambio, esa metamorfosis hormonal y decidí pintarle el rostro, (pues no tiene una identidad definida), dejando tan solo los ojos al descubierto. Es un transito entre lo que se es y lo que se desearía ser, lo que el gustaría ser, y lo que realmente es en realidad, (que es lo que nos muestra bajo el vestido) una confesión de su realidad bajo un disfraz creados para si mismo y para la visión de los demás.

Ejercicio con Laura Torrado. Imagen Subversiva

EDUCACIÓN FEMENINA

"Una señorita, no debe comer con la boca abierta"

Tras la presentación de Laura Torrado sobre su tesis de final de carrera, la cual nos habla sobre la representación femenina desde el comienzo del arte, nos quedó claro el concepto de imagen subversiva( trastornar, revolver, destruir, especialmente en lo moral) y de la potencia e importancia que pueden tener estas imágenes en una sociedad.

Con este ejercicio propuesto por ella en clase, intenté llevar a cabo esa idea de una forma simple y directa.

He querido hacer una crítica a la educación femenina con este simple gesto: comer o masticar.

Se considera de mala educación comer con la boca abierta, sobretodo en el caso de la mujer, pues ella siempre debe ser correcta, siempre debe estar perfecta, porque sino su papel de eterna seducción, perfección y de objeto o escaparate para ser mirada por el hombre, se desvanece.

De esta manera en esta sucesión al principio vemos una boca, sugerente, seductora, de labios rojos para llamar más la atención del espectador (sobretodo el masculino), y luego nos seduce, nos besa, hasta que comienza a sacar todo lo que lleva en su interior, la comida masticada, juguetea con ella, nos la muestra..y finalmente se sonríe, dando a entender que eso es "lo que hay" todos "hasta las mujeres" comemos y masticamos la comida de esa forma aunque no se vea, no son perfectas.

Ejercicio con Laura Torrado. Imagen Subversiva

Cinco artistas. 5.Susan Meiselas

Susan Meiselas (Baltimore, Maryland, Estados Unidos, 1948) es una fotógrafa estadounidense.

Estudió arte en el Sarah Lawrence College y más tardé cursó un master en Arte en Harvard. En 1976 se unió a la agencia Magnum y ha trabajado como fotógrafo freelance desde entonces. En 1981 visitó un pueblo destruido por el ejército en San Salvador y realizó fotografías de la masacre del Mozote. Su primer trabajo fue Carnival Strippers y en el que retrataba la vida de estas mujeres en la zona de Nueva Inglaterra.

Este trabajo fue realizado en tres años y se publicó en 1976 año en el que entro a formar parte de la Magnun gracias a la repercusión de este trabajo.

Entre 1978 y 1979 documento la insurrección en Nicaragua, sus fotografías fueron publicadas en distintos periódicos y revistas y posteriormente publico un libro monográfico titulado NICARAGUA, junio de 1978-Julio de 1979.

En 1997 realizó un reportaje sobre la situación en Kurdistan y abrió una página web www.akaKURDISTAN.com. Además de esto Meiselas realizó dos documentales sobre la influencia que tuvieron sus fotografías sobre las personas retratadas en sus fotografías de Nicaragua.

Ha publicado varios libros con su trabajo.

Premios

Premio internacional de la fundación Hasselblad (1994)

MacArthur Fellowship (1992)

Robert Capa Gold Medal (1978)

Cinco artistas. 4.Duane Michals

Biografía

Nace el día 18 de febrero de 1932 en el seno de una familia de la clase obrera, su padre era un trabajador del metal en McKeesport, estado de Pensilvania. Estudia la licenciatura de bellas artes en la Universidad de Denver, iniciando después un curso de postgrado en la Escuela de Diseño Parson, en Nueva York, aunque abandona los estudios de diseñador gráfico antes de finalizarlos.

Su formación fotográfica es autodidacta. En 1958 hace un viaje a Rusia y se propone retratar a todas las personas que se encuentra. Esta situación le crea problemas con el gobierno americano ya que existía tensión por la guerra fría. A partir de esta experiencia se dedica con intensidad a la fotografía.

Ha trabajado en diferentes campos de la fotografía comercial colaborando con prensa, revistas, como Esquire, Vogue, Mademoiselle ... y en la edición del trabajo gráfico de algunos discos musicales. También ha recibido premios por su obra en Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia.

Atget es el fotógrafo que más ha influido en sus obras. Sin embargo, suele introducir elementos de reflexión sobre la existencia humana.

Realizó su primera exposición en la Underground Gallery de Nueva York con los retratos realizados en su viaje a Rusia en 1963. Los retratos que ha ido realizando después han continuado esta tendencia de hacerlos en su propio ambiente y no utilizando el estudio fotográfico. Con los retratos realizados entre 1958 y 1988 ha realizado un libro llamado Album. En 1966 expuso en el George Eastman House de Rochester, Nueva York. En 1970 realiza una exposición en el MOMA de Nueva York. Desde estos años ha realizado bastante exposiciones en todo el mundo.
La parte más significativa de su obra son las secuenciaciones y la incorporación de textos como elementos visuales integrados. En 1966 presenta sus primeras secuencias y poco después incorpora sus textos a sus fotografías, dotándolas de un nuevo contenido ideológico.

Su obra fotográfica en España se dio a conocer a través de la revista Nueva Lente. Su primera exposición fue en una galería de arte privada en Madrid, España en 2001.

Sus obras fotográficas pueden encontrarse en las colecciones permanentes del Museo Metropolitano de Arte, el MOMA, el Museo J. Paul Getty, elMuseo de Arte de Filadelfia, Moderna Museet, Estocolmo, Suecia; Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, Japón; National Gallery en Auckland,Australia; y el Museo de Israel en Jerusalén

Premios

1975 CAPS Grant.


1976 National Endowment for the Arts Grant
.

1978 Pennsylvania Council of the Arts
.

1975 Carnegie Foundation Photography Fellow, Cooper Union, 
New York.

1982 Medaille de Vermeil de la Ville de París, Francia.

1989-91 Meadows Distinguished Visiting Professor, Southern Methodist University, 
Dallas, Texas.

1991 International Center of Photography Infinity Award for 
Art
Nissan International Fellow.


1992 Honorary Fellowship, Royal Photographic Society, Bath, 
England


1993 Officier dans l'Ordre des Arts et des Lettres, France
The Century Award, Museum of Photographic Arts, San 
Diego, CA
Youth Friends Award, School Art League of New York 
City.

1993 Honorary Doctorate of Fine Arts, Art Institute of 
Boston, Massachussetts.

1994 Gold Medal for Photography, The National Arts Club, New 
York.

1998 Adam Tillmans Series lecturer, Bennington College, 
Bennington, Vermont
.

2000 Palm Beach Mentor's Award, Palm Beach Photographic Center, 
Palm Beach, Florida.

2001 Vocación indagatoria. PhotoEspaña, Madrid, España.

Cinco artistas.3.Carl Mydans

Carl Mydans nació en Boston el 20 de mayo de 1907. La familia se mudó a Medford, Massachusetts, en el río místico donde Carl se fue a la escuela secundaria y trabajó en los astilleros locales después de la escuela y los fines de semana.

Más tarde se interesó en el periodismo y trabajó como periodista free-lance para varios periódicos locales. En 1930 se graduó de la Escuela de Periodismo de la Universidad de Boston. Mydans luego se trasladó a Nueva York y, mientras trabajaba como reportero para el "American Banker", comenzó a estudiar fotografía en el Instituto Brooklyn de Artes y Ciencias.

En julio de 1935 su habilidad con el nuevo 35 mm "miniatura" de la cámara le consiguió un trabajo con el Departamento de Reasentamiento del Interior de la Administración, que pronto se fusionó con la Farm Security Administration (FSA). Mydans se unió a Walker Evans y Arthur Rothstein como el núcleo del equipo de notables fotógrafos reunidos por Roy Stryker para documentar la América rural.

Mientras viaja a través de los estados del sur fotografiar todo lo que tenía que hacer con el algodón, Mydans desarrolló el estilo de disparo que utilizaría a lo largo de su carrera. Se concentró en las personas, y los fotografió en forma respetuosa y directa. Como le habían enseñado a hacer lo que un reportero, se mantuvo notas detalladas en cada tiro. Cuando Mydans se unió al personal de la vida en 1936 se unió a un grupo de reporteros gráficos que estaban cambiando la forma de fotografía de prensa se llevó a cabo. Fotoperiodistas han utilizado tradicionalmente 4x5 velocidad cámaras gráfico con flashes y las cacerolas del reflector, y sus cuadros de la gente tiende a buscar lo mismo: pone en primer plano overlit cayó a telones de fondo oscuro que no tenía detalles.

Pero Mydans y sus colegas en la vida basado en cámaras de 35 mm que les permitió trabajar con la luz disponible, la captura de un nuevo tipo de excitación y la actividad en sus fotografías. Su éxito en la pequeña cámara revolucionó la práctica del fotoperiodismo. En 1938 fue Mydans en el extranjero con su esposa, la periodista de la vida de Shelley Mydans, y comenzó su larga carrera como fotógrafo de guerra.Durante los próximos 30 años, cubrió los conflictos en Europa, el Lejano Oriente y el Sudeste Asiático.

En la Segunda Guerra Mundial era un prisionero de los japoneses durante 21 meses. Siempre, que centró su cámara en el pequeño drama humano que reveló la historia más grande. Se retiró de la vida en 1972, pero siguió trabajando para las revistas Time y otros. La obra de Carl Mydan ha sido exhibida en diversas galerías de Estados Unidos. El New York Times Magazine publicó su obra, junto con Alfred Eisenstaedt y de Joe Rosenthal en mayo de 1995.

Mydans llamaba a sí mismo un "narrador de historias con imágenes" : "Quiero que la gente pueda ver y sentir todo lo que he visto y sentido."

Cindo artistas. 2.José Antonio Duce Gracia

José Antonio Duce Gracia, 68 años, nació en Zaragoza. Fotógrafo vocacional, a los 19 años realizó su primera fotografía con una cámara oscura fabricada por él mismo, en 1952. Estudió Fotografía en la Academia Fotográfica Hispano Americana de Barcelona (cursos 53-54 y 54-55). Ingresó en 1953 en la Sociedad Fotográfica de Zaragoza (fundada en 1922) y realizó un curso de Fotografía Aplicada en la Linhof Schule de Munich (Alemania) en 1967, donde obtuvo el título de Diplomado con la máxima calificación. En 1968 fue nombrado Presidente de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza y bajo su mandato se celebró en 1972 el Cincuentenario de esta institución, de la que es Socio de Honor.

Ha sido Profesor de Fotografía y Cinematografía en la Escuela de Publicidad y Marketing de Zaragoza durante los cursos 67-68 y 68-69. En 1969 abrió su estudio en Zaragoza como fotógrafo independiente, especializado en fotografía publicitaria y creativa. Nominado como uno de los veinte mejores fotógrafos del año en el II Congreso Internacional de Fotografía (Barcelona-1977), asistió como artista invitado al Seminario Nuevos Aspectos de la fotografía en color, en Bolzano (Italia), en 1979, y la Nippon Kogaku (KK) de Japón adquirió la obra "Jota Aragonesa" con destino al almanaque Nikon.

En la década de los ochenta fue colaborador habitual del Semanal de Heraldo de Aragón, con más de 100 portadas publicadas. También fue seleccionado como uno de los cinco mejores fotógrafos españoles del año para el anuario de la Fotografía Europea, editado en Viena (Austria), "Photocommunication?81". 1990.

Tiene también a gala el nombramiento de Socio de Honor e Insignia de Oro de la Asociación de Fotógrafos Profesionales, en1991. La Federación Internacional de Arte Fotográfico con sede en Bruselas y dependiente de la UNESCO le distinguió también con su importante galardón. En 1992 fue nombrado Presidente de Honor de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza. Cuatro años más tarde, en 1996, el Ayuntamiento de Zaragoza designó con su nombre una calle de la ciudad .

Es uno de los seis fotógrafos aragoneses relacionados en el libro "Historia de la Fotografía Española" (Lunwerg editores, Madrid 1997) y en 1999 su nombre es mencionado en el libro de Publio López Mondejar "150 años de Fotografía en España".

Entre otros premios internacionales ha sido galardonado con el Portrait Photo Contest (Chicago-USA), el Nikon International Photo Contest (Japón), el Lanscape Photo Salon (Nueva Zelanda), el Salón de la Infancia (Moscú URRS), el III Ricoh International Photo Contest (Tokyo-Japón), el 40 Salon Internacional Sao Paulo (Brasil), el 18th FIAP color Print Biennel 96 (Irlanda) y el VI Salón Internacional de Fotografía (La Habana, Cuba). También ha obtenido numerosos premios nacionales de fotografía y sus obras están en numerosos museos y colecciones. Sus fotos se han publicado en carteles, libros y revistas de todo el mundo. Y, por si fuera poco, es director de cine.

Cinco Artistas. 1.Steve McCurry

BIOGRAFÍA

Nacido en Philadelphia en 1.950, Steve McCurry está considerado uno de los mejores fotógrafos del mundo. McCurry se graduó con los más altos honores de la Facultad de Artes y Arquitectura en la Universidad del Estado de Pennsylvania con un “cum laude” en Cinematografía e Historia. Después de trabajar en un periódico durante dos años, lo dejó y se marchó hacia la India. La experiencia que allí adquirió enseñó a Steve la recompensa a la paciencia de esperar a que un medio ambiente sea perfecto para formar una magnífica composición.

En 1.984 fue ganador del premio al mejor fotógrafo por la Asociación de Fotógrafos de Prensa. Colaborador habitual de National Geographic y de numerosas publicaciones fotográficas, el reconocimiento le llegó de la mano de la que fue su mejor fotografía.

Fue en 1984 cuando realizó la toma: el rostro de una muchacha afgana en el campamento de refugiados de Nasir Bagh en Peshawar (Pakistán).Los ojos de la chica dieron la vuelta al mundo en la que fue la portada más sonada de National Geographic.

Steve McCurry empezó a trabajar en Afganistán justo después de la invasión Rusa en 1979.

Y alcanzó un punto decisivo en su carrera en el año 1980 cuando, encubierto en vestimenta nativa, cruzó la frontera con el Pakistán en el Afganistán controlado por los rebeldes, justo antes de la invasión soviética. Cuando salió de Afganistán tenía los rollos de película cosidos a la ropa. McCurry presentó con horribles imágenes al resto del mundo la zona devastada por la guerra, por primera vez.

Sus imágenes de Afganistán se publicaron en todo el mundo y demostraron el conflicto que allí había. Su valor para entrar y capturar fotografías de un país en ese tiempo tumultuoso fue recompensado con la Medalla de oro de Robert Capa al Mejor Reportaje Fotográfico del extranjero, un premio dedicado a fotógrafos que exponen un coraje excepcional, dedicación a su profesión. Este galardón es también una concesión dedicada a los fotógrafos que exhiben un valor y entereza excepcional.

Libro "Cartografías del Cuerpo. La dimensión corporal en el arte contemporáneo"

n1. El Body Art:

El cuerpo humano, se encuentra como punto de referencia del discurso artístico desde sus comienzos( intentamos representarlo por medio de la pintura, escultura…)

El cuerpo ahora es usado, no solo como “contenido” de la obra, sino tambien como lienzo, pincel, marco y plataforma. Todo ello dirigido a terrenos como el riesgo, el miedo, la muerte, el peligro y la sexualidad.

n2. La suplementariedad del cuerpo:

Este acto de los artistas, consiste en desemplazar el cuerpo, un acto de sustracción.

Nos dice que el cuerpo no es real, y una vez que admitimos y vemos eso, entendemos que todo el se muestra como un aditivo sin presencia real.

n3.Suplementos de primer grado:

3.1 El cuerpo doliente: el sometimiento del cuerpo mediante el dolor y la abyección, son estrategias performistas que han utilizado artistas como Vito Aconcci, Gina Pane, Paul McCarthy… Con ello se saca al cuerpo de su estado de sueño, para lograr tener un cuerpo en tensión y desacomodado.

3.2 El cuerpo fluyente: no se esta quieto en si mismo, porque no hay un si mismo donde pueda estar quieto. Esto tiene que ver con la modificación del soporte, es decir del cuerpo en si y hay dos tipos:

*Soporte sin modificación: el cuerpo se transforma temporalmente, representando roles, gesticula y se traviste como si fuera un cuerpo-juego. El travestismo cuestiona la identidad establecida por los roles sociales (identidad, género, raza, sexo…) rompen con el estereotipo. Algunos artistas son Ulay, Eleonor Antin, Pierre Moliner.

*Soporte con modificación: Se plantea la creación de un cuerpo posthumano, mas allá de la experiencia humana, por medio de prótesis de carne, o de maquinaria (cyborg), pero en cualquier caso se mejora y se dota de cambios. Otra manera es reconstruyéndolo por medio de la intervención quirúrgica formando un nuevo soporte. El artista Orlan habla de autoescultura del yo en su obra.

3.3 El cuerpo activista: Consiste en la desjerarquización del cuerpo, por medio de la capacidad de hacerle frente y luchar contra el “cuerpo modelo” “identidades fuertes”, o ideales como “masculino, occidental y blando” buscando una nueva homovisión.

n3.3

Algunos artistas que llevaron esto a cabo fueron Yoko Ono, Shigeko kubota, Carolee Schneeman, Martha Rosler…

n3.4 El cuerpo ausente: hablamos de una oclusión del cuerpo , es un silencioso “no estar” o al menos “no estar del todo”: Tiene que ver mucho con la ceniza del cuerpo humano una vez que se quema, es la desaparición del soporte. También en las “siluetas” y el juego de cuerpo como huella. Algunos artistas son Ana Mendieta, Hans Haaker, Christian Boltanski o Craig Owens.

n4.Suplementos de segundo grado:

4.1 El cuerpo narrativo: es la representación del cuerpo como soporte, mediante una exteriorización, un microrelato, una apertura al mundo, y viene dado porque como hemos visto antes el cuerpo es fluyente. Algunos artistas son Eleanor Antin, Cindy Sherman, Luciano Castelli…

4.2 El cuerpo fragmentado: es un troceador del cuerpo para volver a tomarlo como una “unidad de medida”, es un cuerpo derruido, fragmentado que ha sido reducido ha escombros irrecuperables a modo de material de construcción: “escombros”. Algunos artistas son Philippe Vergne y Paul Virilio.

4.3 El cuerpo transformado: finalmente, el abatitimiento, derrumbamiento y fragmentación del cuerpo dan como resultado su transformación en “otra imagen”. Se produce una des-ubicación total y se desvirtua por medio de retoques digitales y acaba por dejar de ser un cuerpo. Algunos artistas son Rosalind Krauss, Ubac, Boiffard, Oleg Kulik, Inez van Lamsweerde.

El arte bajo el prisma del poshumano:

El poshumano , es el futuro del humano sin el humano, o mas bien con él en términos de mutación cumplida. En adelante la humanidad misma queda anticuada, responsable de una realidad biológica. El poshumano, por consiguiente, se entroniza como una nueva cultura ,cada vez somos más conscientes de que podriamos intervenir sobre nuestro cuerpo y nuestro estatus social, antes que aceptar lo que hemos heredado genéticamente.

“…de hoy en adelante, al cuerpo sólo le queda el fardo de esta alternativa: tornarse máquina o salir de escena, mutar o desaparecer”.

Ejercicio de esquina como soporte. Fotografías " ACTO DE PURIFICACIÓN"

Exposición nº 5. Círculo de Bellas Artes. Horacio Coppola

Brasil-1931

París-1934

Londres-1935

Berlín-1933

Horacio Coppola, nació en 1906 en Buenos Aires (Argentina) dentro de una familia de origen italiano.

Comenzó a conocer la fotografía de la mano de su hermano mayor que poseía una cámara de gran formato.

En 1927 comenzó a fotografiar por su cuenta, siendo sus referencias en esa época los fotógrafos Nadar, Hill y Weston, todo su aprendizaje lo realiza de forma autodidacta.

Recorre Buenos Aires fotografiando la evolución de la ciudad, el contraste entre el antiguo y el nuevo Buenos Aires.

Al final de los años 20, viaja a Europa y conoce Alemania, Francia, España y en 1932 comienza su segundo viaje por Europa, donde a demás visita Londres.

Esta obra se encuentra en ese momento social y la han divididos en cuatro partes: Brasil, Paris, Londres y Berlín.

En Brasil, el autor se revela como fotógrafo de vanguardia , adelantado a su época y predominan retratos sociales y espacios abiertos y despoblados.

En Berlín, las fotografías tienen un toque político izquierdista, con el que simpatizaba el autor, y en este periodo el paisaje, las formas dentro de el , será lo mas fotografiados por el autor.

En su viaje a París, el ecosistema urbano sigue siendo el motivo principal d su fotografía pero surgen nuevos temas propuestos, y entre ellos el lenguaje de los muros, los primeros graffitis fotografiados por Horacio, la mancha en el muro, tan personal y característica, tan íntima y su significado en el tiempo.

Finalmente, Londres es el sitio donde Horacio se inclino por retratar a todas las personas indigentes, transeúntes y vagabundos que viven en las calles. Deja más de lado los paisajes urbanos despoblados, para centrarse en una critica social.